Entrenamiento Teatral. Daniel Acuña Pinto.

Entrenamiento corporal basado en técnicas de Eugenio Barba, 

tomadas por el director Daniel Acuña Pinto.

Eugenio Barba

Eugenio Barba: 29 de octubre de 1936, Bríndisi, Italia. Director y estudioso del teatro. Es el inventor junto con Nicole Savarese y Ferdinando Taviani, del concepto de Antropología Teatral.
Eugenio Barba creció en un pueblo de Italia del cual recuerda las religiones cargadas de colorido y fe, donde los participantes forman parte de cada hecho representado como arte del rito. Es posible que este sea el origen de la antropología teatral. Barba recuerda este universo que en su infancia lo marco y que posteriormente guiado por su institución iría a buscar en otras culturas ancestrales donde encontró los principios de la antropología teatral.
Es en 1961 cuando Barba se acerca al laboratorio teatral de Jerzy Grotowski en Ople, Polonia. Permanece al lado de Grotowski hasta 1964, y de este encuentro retoma gran parte de la filosofía y de las herramientas corporales para desarrollar el trabajo con su grupo el Odín Teatret que conformo en el mismo año.
En 1964 Barba realiza múltiples viajes a países asiáticos, cuales fueron parte de su carrera teatral, ya que por una parte logro rescatar el exotismo de estas culturas, su riqueza y su tradición en el arte escénico, aunque por otra parte fue encontrar su propio camino, sus principios de entrenamiento. Una de las cosas que rescata de todo este proceso es confirmar que el actor necesita apropiarse de una técnica corporal para desarrollar su presencia en el escenario, para potenciar su energía.
El trabajo no era la simple disciplina corporal, sino esta capacidad que desarrolla el actor de transformar su cuerpo y poder entrar en una segunda piel, desnudarse de sí mismo para transformarse en escena en un ejercicio, o en una improvisación.
Dentro de la lógica de la antropología teatral, el actor es pensado como actor-bailarín, y el teatro es teatro-danza (las posibilidades de expresión son más amplias y las tareas del actor están ubicadas en el área dancística).
A lo largo de su investigación ha desarrollado distintos conceptos que han quedado impresos en la evolución del entrenamiento del actor.
El manejo de la energía es algo que podemos escuchar en las disciplinas corporales y aun dentro de la actuación.
Barba dice que el actor debería pensar como transmitir la energía, como dirigirla, como externar; y la única vía es el cuerpo en sus múltiples posibilidades de movimientos, el ritmo, la dilatación, la fragmentación.
Barba señala que los principios básicos del trabajo actoral lo podemos encontrar en el origen de las disciplinas artísticas de cualquier cultura. En el
manejo de trabajo de Stanislavsky, Meyerhold, Michael Chejov, la danza Butoh, el NO y las distintas danzas hindúes.

Elia Kazan

ELIA KAZAN (1909-2003): Nació en Estambul (Turquía) y murió en Manhattan (Estados Unidos). Fue Director, productor, guionista, actor y escritor. Kazan se unió al Group Theatre, en donde comenzó su trayectoria como intérprete teatral, que en los años 40 amplió con algunas películas cinematográficas, como “Ciudad de conquista” (1940) o “Blues in the night” (1941), ambos títulos dirigidos por Anatole Litvak.
Hizo un gran impacto como director escénico triunfando en Broadway con adaptaciones de:
* Un tranvía llamado deseo
* Muerte de un viajante
* La gata sobre el tejado de zinc
Su gran talento teatral hizo que debutara en el cine como director con Lazos Humanos en 1945,de lo cual el actor James Dunn ganara un Oscar como mejor actor secundario.
Elia junto con a Lee Strasberg crearon Actors Studio, allí desarrollaban actuaciones mediante el método del director teatral Konstantin Stanislavski. En los años 40 Kazan fue uno de los grandes directores en esa época, las mayorías de sus adaptaciones fueron obras literarias que abordaban temas sociales; como la Barrera Invisible (1947) y Pinky (1949).
Kazan había dirigido tres magistrales películas en los años 50 como: Pánico en las calles (1950), Un travia llamado deseo (1951) y ¡Viva Zapata! (1952). En 1954 estreno La ley del silencio que gano un Oscar como mejor película y como mejor director.
Su gran carrera como director fue extendiéndose y mejorando. Una de su destacadas películas fueron:
* Fugitivos del terror rojo
* Al este del Edén
* Baby Doll
* Un rostro en la multitud
* Río Salvaje
* El compromiso
* Los visitantes

En el año 1999 la Academia de Hollywood le otorgó un Oscar honorífico. El 28 de septiembre del año 2003, Elia Kazan un auténtico gigante del séptimo arte, fallecía a la edad de 94 años. 

  

https://www.youtube.com/watch?v=0Gw84R83bjQ 

J. C. Kantor

Nacido el 6 de abril de 1915 en Wielepole y muerto en Cracovia el 8 de diciembre de 1990, este polaco, hijo de padre judío y de madre católica, resume, en su creación y su figura, la angustia derivada de la imposibilidad de todo lenguaje y de toda representación. Pintor, autor, escenógrafo y director, empezó su actividad teatral dirigiendo, en 1937, una obra de Maeterlinck. Durante la segunda guerra mundial fundó el teatro clandestino Tear Niezalezny. En 1948 obtuvo una cátedra en la Academia de Bellas Artes y trabajó como figurinista en Teatr Stary. A comienzos de los años cincuenta fundó el Teatro Experimental Cricot 2, que quería continuar la experiencia del teatro polaco de vanguardia: un teatro amateur y autónomo, que intentaba liberarse de las ataduras impuestas por el texto recurriendo tanto a elementos musicales como a los usos y manifestaciones de lo ritual. La escenificación de las obras surrealistas de Stanislaw Ignacy Witkiewicz fue para él como un descubrimiento y una obsesión que le duró casi diez años. En 1965 empieza a explorar las posibilidades del happening y, diez años después, inicia lo que uno de sus textos teóricos llama teatro de la muerte.
Se dice que Kantor desidealiza el tiempo y que, al poner todo en clave grotesca, practica algo así como “un arte de la profanación”. Uno de sus estudiosos, Guy Scarpetta, ha llegado a escribir que lo que hace Kantor es “una escritura escénica de la corrupción generalizada”. Y algo de eso hay, aunque con resquicios de humor y con una absoluta descreencia histórica, que algunos explican tanto por su contexto como por su tradición. Figuran en ésta Goya, Artaud y Thomas Bernhard: el Goya de los Caprichos y Los desastres; el Artaud que hace corrosivo lo burlesco; y el Bernhard que caricaturiza lo autobiográfico hasta despojarlo de toda nostalgia sentimental. Su tendencia al exceso y su rechazo de la medida y de la norma lo emparentan también con Valle-Inclán. Lo mismo puede decirse de su visión de lo sagrado y de su carnavalesco tratamiento de lo metafísico.
Su testamento está en Je reviendrai jamais, donde recoge personajes y elementos de todas sus obras anteriores y que ha sido considerada la Danza de la Muerte de nuestro tiempo. En ella Kantor utiliza como materiales los restos del naufragio de la civilización occidental. Quien se había iniciado en la línea de los futuristas, de los constructivistas y del Dadá, hizo de ellos y de los autores que tomó como maestros -Craig, Meyerhold, Piscator, Artaud y la Bauhaus- la plaforma-base de un tipo de espectáculo que iba a convertirse en un acontecimiento y que estaba llamado a ser una conmoción. En 1972 introdujo el desnudo femenino de una princesa ninfómana en Les Cordonniers, mezcló autores franceses y polacos e hizo un guiño escatológico a Wyspiansky. En 1977 inicia lo que llama “sesiones dramáticas”: “personajes sin psicología -escribe Jean-Pierre Leonardini- que llevan una especie de prêt-à-porter mental”.
La classe morte se inspira en Las tiendas de canela y El Sanatorio, de Bruno Schulz, que aprovecha para hacer una crítica feroz del realismo socialista. Y, tras colocarnos ante la cámara oscura del determinismo, construye Wielepole-Wielepole (1980) a partir de una vieja foto de familia. Ensaya allí una coreografía reiterativa y realiza una ordenación plástica de todo lo simbólico. Antes había hecho “teatro independiente”, “teatro informal” y “teatro imposible”. Había llegado al “teatro cero”: a un punto cerrado y casi inaccesible. En otros momentos de su vida había hecho creaciones que casi parecían gamberradas: en 1971, hizo erigir en Oslo una silla de cemento de 14 metros de altura; antes, el 21 de enero de 1967 había enviado desde Varsovia una carta, timbrada y estampillada, de 14 metros de largo, 2"5 de ancho y 87 kilogramos de peso, para cuyo franqueo fue precisa la presencia de siete funcionarios de correos; después experimentó con embalajes humanos. Kantor fue hijo legítimo de las vanguardias, que reinterpretó a su modo y manera. Ha sido llamado “magnetizador social”, “gran técnico de lo efímero” y “soberbio conquistador de lo inútil”. Como Gerhard Stadelmaier escribió a su muerte, el teatro último de Kantor parecía una misa, celebrada en la Iglesia de la incredulidad.

Erwin Friedrich Maximilian Piscator

Erwin Friedrich Maximilian Piscator nació el 17 de diciembre de 1893, provenía de una familia de clase media, 1913 estudio historia del teatro en el famoso seminario de Arthur Kutscher en la Universidad de Múnich, comenzó su carrera como actor ese mismo años. Durante la Primera Guerra Mundial fue reclutado en el ejército alemán, su experiencia lo llevo a odiar el militarismo, escribió varios poemas sobre sus vivencias.

En 1919 dirigió un teatro junto con George Grosz, en cual se encontraba participando del movimiento dadaísta de Berlín. Defensor de un tipo de teatro político-pedagógico que; con la participación de Brecht fundo y dirigió varios teatros en Berlín. Piscator creo el teatro proletario de Berlín junto a Hans José Rehfisch , la compañía en el año 1922-1923 produjo varias obras como de Maximo Gorki, Romain Rolland y Leon Tolstoi, piscator paso a ser director de teatro en el Volksbuhne (1924-1927) posteriormente como director general de su propio teatro el Neus Schaupielhaus .

Fue un director de espectáculos grandiosos e impactantes sus obras eran basadas con un contenido social y político, debido a su ideología izquierdista concebía el hecho teatral como un instrumento de acción política. Piscator era innovador en el empleo de todo tipo de accesorios escenográficos ,cuyo texto no era más que una partitura elaborada desde el punto de vista escénico, proyecciones cinematográficas, uso escenarios mecanizados, maquinarias complicadas, carteles didascálicos, realizando fragmentación en varios planos de lo que es un escenario teatral tradicional.

En 1928, produjo una adaptación de la novela El buen soldado de Švejk. Bertolt Brecht participó en esta producción. Al año siguiente publicó un libro de teoría titulado “El Teatro Político” (Le Theatre Politique) cuya edición fue en 1963, piscator decía que el libro pretendía dar una explicación definitiva, de una de las fuentes de inspiración del teatro épico, desarrollado por Brecht, el cual en ese entonces "todavía era rechazado y malentendido ampliamente"

Piscator viajo a Moscú para realizar un largometraje para el estudio Mezhrabpom, su compromiso con la revolución rusa, después del ascenso al poder de Hithler (1933) fue un factor decisivo en todo su trabajo como director alemán y teórico de la escenografía, tomo la decisión de permanecer en la Unión Soviética como un refugiado político, al paso de los año piscator debió abandonar el país (1936), finalmente en 1937 decide casarse en Paris con la talentosa bailarina llamada María Ley.

En (1936) colaboro con Lena Goldschmidt en una adaptación teatral de la novela de An American Tragedy de Theodore Dreiser, la producción fue realizada con el nombre de The Case of Clyde Griffiths dirigida por Lee Strasberg permaneció en cartela durante 19 presentaciones. Piscator emigro a Estados Unidos junto con su esposa (1939) decide fundar un taller teatral para los estudiantes,

Luego regreso a Alemania en (1951) debido a la presión política del macartismo, fue nombrado administrador del Freie Volksbuhne de (1962) en Berlin, allí dirigio el estreno de la obra de Rolf Hochhuth (1963) ya que él, era el director y productor de la obra titulada El Vicario. Piscator continúo siendo uno de los exponentes más importantes del teatro contemporáneo y del teatro documental hasta su muerte en (1966).

El “Teatro Político “ del artista revolucionario ,pretendía darle una nueva dirección al teatro político , debido a que es uno de los escritos teóricos más grandes del desarrollo de la puesta en escena , el trabajo escenográfico su desarrollo es uno de los ejemplos más interesantes del decorado teatral , y la concepción que tenía con respecto al espacio escénico , la utilización de materiales nuevos, la invención de modernos sistemas , sus proyecciones escenográficas como documental ,se incluyen en sus espectáculos gigantes construcciones que se trabajan sobre el escenario multiplicando las áreas de juego, el impulso a las maquinas debido a la imagen cinematográfica que se ampliaba.

“El teatro” de Piscator quiere influenciar, emocionar y motivar al espectador para extraer de él, sentimientos políticos, incorporarlo a la acción tras hacerle tomar conciencia de su situación vivenciada.

Louis Jouvet

Nacido en Crozon, Gran Bretaña en 1887 y fallecido en París en 1951 mientras dirigía una adaptación de “El Poder Y La Gloria”. Fue actor, director y escenógrafo Francés. Comenzó a sumergirse en el mundo de la escena desde muy temprana edad, viajando a París para matriculase en el Conservatorio de Arte Escénico, pero debido a una dificultad en su pronunciación (tartamudo) fue rechazado. Por este motivo y sin dejarse vencer tuvo que empezar con la interpretación de papeles secundarios, pero con perseverancia y convicción del oficio logro convertirse en una de las grandes figuras del teatro francés del siglo XX.

Su primera oportunidad para su debut teatral se la dio Jacques Copeau, en una adaptación teatral de “Los Hermanos Karamazov” de Fiodir Dostoievsky, donde compartió escenario con Charles Dullin , que luego se convertiría, también, en un gran actor director, empresario teatral y teórico de la escena.

Con el éxito de esta adaptación Jouvet fue invitado por Copeau a formar parte de su compañía "Vieux-Colombier", donde termino de desarrollarse como artista, ya que durante su participación en la compañía desarrollo todo tipo de laboras: decorador, director escénico y también hasta montador y electricista.

Luego de un aislamiento militar (1914-1917) realizo con la compañía una gira por Estados Unidos con amplio repertorio

En 1920 Louis Jouvet fue reconocido por sus innovación escenográficos, a raíz de diseño de ESCENARIO ABIERTO, sin embocadura.

Aun con estos grandes éxitos, sin beneficios económicos, Jouvet sufrió de problemas financieros, que para salir decidió juntarse con su antiguo compañero Charles Dullin y crear una nueva compañía conocida como “Cartel Des Quatre”, que se mantuvo activo desde 1927 hasta 1939. Formaron parte de esta compañía también actores y directores como Pitoëff y Baty.

A partir de 1939 fue conocido como Ateneo Lois Jouvet al ser nombrado como director del teatro del Ateneo.

Debido a la invasión Alemania, Jouvet se vio forzado a realizar una gira con su compañía por hispanoamericano, ya que la censura nazi había prohibido a autores como Giraudox y Romains.

La versatilidad interpretativa de que hizo gala Jouvet sobre un escenario teatral le permitió, asimismo, dejar grabadas en el celuloide algunas actuaciones memorables.

Jouvet dejó merecida fama de profesor exigente en el Conservatorio de París, donde impartió clases sobre interpretación dramática. Muchas de sus teorías teatrales han sido recogidas en un ensayo que el actor y director publico en 1938 “Réflexions du comédien”, pero sus métodos han sido ampliamente difundidos y revalorizados a partir de 1986. Sus enseñanzas suponen un término medio entre las propuestas de Bertolt Brecht y Konstantin Stanislavski, pero siempre dentro de una constante preocupación pedagógica que rebasa los límites de lo puramente teatral para mostrar su interés por los procesos generales de transmisión de conocimientos.

Jouvet discute la teoría de la identificación del actor con el personaje que interpreta a corazón, resaltando la noción de gusto y de disponibilidad (del actor) para la metamorfosis, habla de no tener una vida sino múltiples y en cada día una nueva individualidad para satisfacer una necesidad permanente de evasión y encarnación.

Se plantea una discusión entre el actor y el comediante donde establece que este solo podía interpretar ciertos papeles en donde distorsionaba a los demás según la personalidad, en cambio el actor puede jugar con todos los roles, el actor no habita un personaje sino que el actor esta habitado por el. A partir de este plateo Jouvet distingue tres fases por las que el actor transita.

En primer lugar por la vocación , la sinceridad, la ilusión, y un trastorno de la personalidad y su existencia.

Luego viene por la fase de desilusión, cuando el actor empieza a darse cuenta de que la posesión del personaje es una ilusión, descubre simulaciones y limitaciones teatrales.

Por ultimo la etapa intuitiva, rara vez alcanzada, el actor vive la obra como una historia que tiene lugar en el. Incluye una creación del poeta dramático, un estado interior, a la que se llega por el pensamiento, con un estado sensible. Para él , el propósito del teatro no es impresionar, sino sentir.

Respecto al texto lo plantea como palabra, frases o versos que son huellas y cicatrices de los sentimientos del poeta. La mayor parte de una frase o un verso no es ni la gramática ni sintaxis o retorica sino que cuenta con un significado inmediato de sensaciones y sentimientos que el poeta cristaliza en palabras. 

Con esto el actor debe de sentir todo lo que representa, bañarse de esa sensación para poder expresar la palabra para así poder jugar con el texto y el papel.

 

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Max Reinhardt

Maximilian Goldman más conocido como Max Reinhardt, nació el 9 de septiembre de 1873 en Baden Austria. Hijo de un comerciante judío, estudio arte dramático en Viena. Comenzó su carrera como director, en la compañía teatral de “Deutsches Theater” en una etapa que abarca desde (1905 -1919), se formaron en su compañía varios actores y futuros directores como William Dieterle, Max Schreck y Murnau.

En su primera etapa como director de teatro y cine puso en escenas obras de varios autores, entre los más destacados se encuentran a Henrik Ibsen, Shakespeare o Brecht. Asimismo creo la Kammerspiele, representación de cámara, eran representaciones teatrales con originales decorados intimistas para cierto grupo de espectadores. Su idea era que los espectadores capten los gestos más sutiles de los actores, lo cual fue unas de sus ideas innovadoras, ya que existía una gran preparación de los actores para dicho público.

La compañía de Reinhardt se ocupaba de la formación de los actores, su preparación era importante para él, debido a que debían estar preparados para cada representación artística. Sus primeras películas fueron innovadores ya que exponía ideas acerca del uso de la música, la preparación de los escenarios , la gran cantidad de extras, el uso de los primeros planos de los actores, se destacó como una nueva forma de actuación que huía del naturalismo.

Entre 1920 y 1924, Reinhardt paso a dirigir el “Grosse Spiethaus”, puso en escenas obras de Brecht. Impulso el expresionismo alemán de un modo destacado, sus enseñanzas y métodos influyeron en directores , tales como Robert Wiene en una de sus películas llamadas El gabinete del doctor Caligari , dicho trabajo se considera uno de los primeros exponentes más destacados de este nuevo movimiento artístico .

Reinhardt se destacado por generar ideas innovadoras en sus trabajos, sus puestas en escena son de un teatro más vanguardista, siguió influyendo sus ideas tanto en el cine, como el teatro alemán y muchos actores y directores con los que estuvo en contacto agradecen por motivarlos a crear nuevas ideas en la representación artística.

Regreso a la “ Deutsches” en (1924-1932) paso a dirigir el teatro de Berlin , al año siguiente con la ascensión de Hitler al poder , Reinhardt por su origen familiar y por su rechazo al nazismo , decido emigrar a los Estados Unidos , fundo una nueva compañía de teatro, que dicha escuela es muy apreciada por los actores norteamericanos.

En los Estados Unidos, Max se destacó por la película Sueño de una noche de verano (1935) codirigida junto a su discípulo del cine William Dieterle, finalmente en dicho país, fue recibido como uno de los creadores más importantes de la historia del mundo teatral. Pusieron en sus manos la posibilidad de adaptar la famosa obra de Shakespeare, que Max acababa de llevar a los escenarios en un espectáculo al aire libre concebido para una gran cantidad de espectadores.

Desde 1930 a 1941 mantuvo abierta en Hollywood una escuela de arte dramático (teatro, cine y radio) denominada The Max Reinhardt Workshop of Stage, Screen and Radio. Continuó trabajando en el teatro y en su escuela hasta su muerte el 31 de octubre de 1943 .